Beginning on Tuesday 12 January the Fear and Pleasure. Vampire Movies programme at Caixaforum Barcelonaoffers a weekly programme of five movies that show how the atavistic and shadowy figure of one of the most persistent characters in the history of film has abandoned its spooky extension across the floor to morph into a more domesticated monster.
This Gothic, aristocratic personage that conquered our screen and became the start of vocational filmmaking, was created in the European literary and romantic context of the nineteenth century at a time when cemeteries and abandoned buildings had become tortured spaces for those walking through them, when the night had a ring of freedom about it, and the consumptive ‘look’ was in fashion.
Bram Stocker’s Dracula (1992), by F. F. Coppola.
Coughing up blood had become cool! “Tuberculosis dissolved the gross body, etherealized the personality, expanded consciousness”, says Susan Sontag in her essay Illness and its Metaphors, talking of the melancholy of the romantics as a human weakness. The novelist George Sand, in her chameleonic extremism, said of her friend, “Chopin coughs with infinite grace”.
It all began in the so-called “Year Without a Summer” of 1816 in Switzerland, when the freezing air was charged with grey and melancholy, and fantasy literature took off in a meeting of friends in the Villa Diodati mansion, including Lord Byron, Mary Shelley and John Polidori, when they decided to each write a horror story. Mary Shelley came up with hers in just under a year with Frankenstein and Polidori with The Vampire, in which he exposes a monstrous doppelganger of Lord Byron to which he did not need to attribute any implausible eccentricity.
But it was Bram Stoker’s Dracula in 1897 that would constitute the standard of the canon, the “bible” of vampirism that would give the vampire, personified in Count Dracula, his telepathic power and personal attractiveness despite his sociopathic tendencies, alpha male bestial tastes, his wardrobe full of black and mothballs, his sickly emaciation and his mortal fear of crosses, holy water and strings of garlic, which would seem to turn vampires more into a high risk group than powerful villains. Stoker spent seven years documenting the novel from popular stories, crossing the Carpathians and pacing the floor of the British Library which conserves a register of the books he consulted, in which he left the odd dog ear. Despite all his efforts, the novel did not attract much enthusiasm at the time, and it was not until the interest legal battle for rights between Stoker’s widow and Murnau who wanted to make his film Nosferatu, that the book finally began to sell.
Nosferatu (1922), by F. W. Murnau.
With no sign of romanticism Nosferatu (12 January) shows the repulsive count who nobody would get any closer to than the length of a pole. He is an impersonal being, with feelings that rarely go beyond his lascivious outbursts, ingeniously identified by Murnau as a shadow. Curiously, Nosferatu would lead to another movie, apart from the version by Werner Herzog, which speculated that Max Schreck, the actor who played Nosferatu, was a vampire in real life. Entitled Shadow of the Vampire, it was directed by E. Elias Merhige and confirmed that the archaic myth was still very much alive. At this point we should remember that one of the first of the “Making of” films comes from this tradition and was none other than Cuadecuc, Vampir (1970), by Pere Portabella, with music and sound by Carles Santos, in a kind of voyeuristic documentary on Christopher Lee, using behind-the-scenes footage from Jess Franco’s Count Dracula.
The movie figure of the vampire has an irrepressible tendency toward parody, that has been used by everyone from the Muppets to Chiquito de la Calzada.
If anyone fitted the body of Count Dracula, now much more carnal, swaggering and bad, in the heteropatriarchal context that would be the wet dream of many a macho man who fancied themselves, it would be Lee who inherited the elegance of Tod Browning’s Dracula, played by Lugosi and the chutzpah of his popped collar. But we have to recognise that the movie figure of the vampire has an irrepressible tendency toward parody, and not just for fancy-dress parades, that has been used by everyone from the Muppets to Chiquito de la Calzada. You only need to think of the great Spanish-language version directed by George Melford in parallel to Browning’s. He used the same sets and props as the daytime version, with Carlos Villarías and Lupita Tovar as the main actors, before dubbing was invented.
Christopher Lee in Dracula (1958), directed by Terence Fischer.
But it was Lee, with the invaluable help of Technicolor and some of the most phallic fangs imaginable, who managed to bring to all his versions and sagas the terribly kitsch aesthetic that has gained mileage with cult audiences over the years, despite the fact that the first of his Dracula films directed by Terence Fisher (19 January), scripted by Jimmy Sangster, was also noteworthy. Christopher Lee ended up playing movies like The Legend of the 7 Golden Vampires with its creepy Buddha statuettes, in feverish coherence with Stoker’s canon. This stale and decadent aura was the one that weighed down on Coppola’s Dracula (26 January) despite the intention to create an erotic perfection in the forms, colours and shadows which, despite their narrative shortfalls, certainly produce a considerable hike in endorphins. This drift towards a metrosexual and foppish vampire would find its path in Interview with a Vampire and end up as an insipid teen idol in the Twilight saga.
Only Lovers Left Alive (2013), by Jim Jarmush.
But if, as we have said, the vampire is a universal myth, what is interesting in our incredulous time in which “if nothing is true then anything goes”, it is no longer his origin but the way in which as a character he engages with us today. The current affirmation of the subjectivity of individuals in liberty as “enjoy your symptom”, implies a domestication of the shadow of the unconscious and a ‘turn’ with respect to our view of the vampire, who is no longer a monster to be defeated but a subject to be understood. In the two last films in this programme, you can see how the exaltation of Foucauldian difference turns the unadapted into a cute eccentric, a misfit of extravagant habits and an irremediable fool, whose just deserts in these crazy times is social inclusion above their own repressive adaptation.
Déjame entrar (2008), by Tomas Alfredson.
In Jarmusch’s Only Lovers Left Alive (2 February), we see some adorable vampires in an atmosphere of exquisite aesthetic sensitivity living their lives in anguish and melancholy in the best Heideggerian style, alongside inauthentic and irresponsible humans who do not know how to look after themselves or their environment. On the other hand, Thomas Alfredson in Let Me In (10 February), offers an extremely delicate mix of the experience of adolescent discovery by a victim of bullying and the monstrosity of the vampire instinct, embodied in the innocence of a girl who must be let in, in accordance with the canon, and therefore accepted, and where the red heat of blood sinks into the Nordic snow.
So far from appearing to be dead, the vampire myth is continually generating re-readings and hours of visual entertainment. A good example is the New Zealand mockumentary What We Do in the Shadows, (2014) by Taika Waititi. This outrageous production was received to great acclaim by the cult audiences and catapulted Waititi to make Thor: Ragnarok, based on the Marvel hero. The film takes up the vampire canon again in a shared flat, in a quest for the normalisation of weirdos, and is currently being shown as an American series. I think the vampire, as a constant figure in the movies, at least deserves a glittering star in the Walk of Fame.
Fear and Pleasure, Vampire Movies, coordinated by film critic Toni Vall, will be on at CaixaForum Barcelona, from 12 January to 10 February.
Comença el dimarts 12 de gener el cicle Por i plaer. Cinema de vampirs al Caixaforum Barcelona, amb una programació setmanal de cinc pel·lícules que reten compte de com l’ombra atàvica i crepuscular d’un dels personatges més persistents de la història del cinema, ha deixat de ser allargada fins a desembocar en la domesticació del monstre.
El personatge gòtic i aristocràtic que va conquerir les nostres pantalles i es va fer estrella de cinema vocacional, es va gestar en l’ambient literari i romàntic europeu del segle XIX, en el qual els cementiris i les ruïnes s’havien convertit en tortuosos espais per al passejador, el nocturn sonava com un mode de llibertat, i es duia el look malaltís.
Bram Stocker’s Dracula (1992), de F. F. Coppola.
Esputar sang s’havia tornat cool: “La tuberculosi dissolia el cos groller, tornava etèria la personalitat, eixamplava la consciència”, explica Susan Sontag en el seu assaig La malaltia i les seves metàfores, parlant de la melancolia dels romàntics com a feblesa d’allò humà. Deia la novel·lista George Sand, en el seu extremisme camaleònic, sobre el seu company: “Chopin tus amb una gràcia infinita”.
Tot va començar l’anomenat “any sense estiu” de 1816 a Suïssa, amb l’ambient carregat de cendra i melancolia, quan la literatura fantàstica s’enlairava en una reunió d’amics a Vila Diodati amb Lord Byron, Mary Shelley i John Polidori, en la qual es van comprometre a escriure un relat de terror. Mary Shelley va complir en poc més d’un any amb el seu Frankenstein i Polidori amb El vampir, descobrint un transsumpte de Lord Byron al qual no va caldre atribuir ni una excentricitat que no fos plausible.
Però va ser el Dràcula de Bram Stoker el que, el 1897, vindria a constituir el cànon normatiu, la “bíblia” de la upirología, que donaria al vampir, personificat en el comte Dràcula, el seu poder telepàtic i el seu atractiu personal malgrat la seva sociopatia, els seus gustos bestiàlics de mascle alfa, el seu fons d’armari en negre i naftalina i la malaltissa primor, així com la seva angúnia mortal a les creus, a l’aigua beneïda o els enfilalls d’alls, que més semblen convertir el vampir en un grup de risc que no pas en un poderós malvat. Stoker va trigar set anys a documentar-se sobre relats populars, trepitjant els Carpats i la Biblioteca de Londres on es conserva el registre dels llibres consultats en els quals es va deixar alguna punteta de pàgina doblegada. Malgrat els esforços, la novel·la no va tenir massa embranzida en el seu moment i no va ser fins a la morbositat que va generar la disputa legal sobre els drets d’autor entre la vídua de Stoker i Murnau en intentar portar-la al cinema, finalment sota el nom de Nosferatu, que el llibre no va ser èxit de vendes.
Nosferatu (1922), de F. W. Murnau.
Nosferatu(12 de gener) mostra sense traces de romanticisme el repulsiu comte al qual ningú s’acostaria més que a la distància d’un pal. És un ésser gairebé impersonal, amb prou feina sentidor més enllà de l’arravatament psicalíptic, identificat magistralment per Murnau com una ombra. Curiosament, Nosferatu donarà peu a una altra pel·lícula, a més de la versió de Werner Herzog, en la qual s’especulava que Max Schreck, l’actor que desencarna Nosferatu, era un autèntic vampir en la vida real, amb el títol de Shadow of the Vampire, dirigida per E. Elias Merhige, que dóna fe que el mite arcaic estava encara viu. Cal no oblidar en aquest punt, que el primer rodatge MakingOf que funda el gènere del “així es va fer” i explora alhora el seu propi límit, ve d’aquest entorn i no és un altre que Cuadecuc, Vampir (1970), de Pere Portabella, amb música i so de Carles Santos, en una mena de voyeurisme a Christopher Lee en la versió de Jess Franco.
El personatge cinematogràfic del vampir té una tendència irrefrenable cap a la paròdia, que han aprofitat des dels Muppets fins a Chiquito de la Calzada.
I és que, si algú es va encasellar en el cos del comte Dràcula, ja molt més carnal, prepotent i maleït, en un context heteropatriarcal que seria el somni humit de tot matalot que es preï, aquest va ser Lee que heretava l’elegància del Dràcula de Tod Browning, interpretat per Lugosi i el seu pinxo coll aixecat. Però cal reconèixer que el personatge cinematogràfic del vampir té una tendència irrefrenable cap a la paròdia i no sols carnavalesca, que han aprofitat des dels Muppets fins a Chiquito de la Calzada. Només cal pensar en la tremenda versió hispana que George Melford dirigia en paral·lel a la de Browning, quan acabava l’horari de rodatge de la primera, emprant el mateix atrezzo i decorats que l’original, amb Carlos Villarías i Lupita Tovar com a protagonistes, abans que s’inventés el doblatge.
Christopher Lee a Dracula (1958), de Terence Fischer.
Però va ser precisament Lee qui, amb la inestimable ajuda del Technicolor i uns ullals retràctils d’allò més fàl·lic, va aconseguir amb totes les seves versions i sagues una estètica terriblement kitsch que amb els anys ha guanyat per al culte, malgrat que la primera de totes, dirigida per Terence Fisher (19 de gener), amb guió de Jimmy Sangster, era notable. Christopher Lee va acabar col·laborant en pel·lícules com Kung Fu contra els 7 vampirs d’or als quals els feia dentera les estatuetes de Buda, en un deliri de coherència al cànon de Stoker. Aquesta aura rància i decadent va ser la que li va pesar al Dràcula de Coppola (26 de gener) malgrat els seus intents per un preciosisme eròtic en les formes, el color i les ombres que, malgrat les seves mancances narratives, produeix un pujada d’endorfines considerable. Aquesta deriva d’un vampir metrosexual i gomós trobaria via lliure a Entrevista amb el vampir fins a acabar essent un insípid ídol d’adolescents en la nissaga Crepuscle.
Only Lovers Left Alive (2013), de Jim Jarmush.
Però si, com ha quedat apuntat, el vampir és un mite universal, la qual cosa interessa en el nostre moment incrèdul en el qual “si ja res és veritat, tot està permès”, no és ja la seva gènesi, sinó de quina manera ens interpel·la avui dia el personatge. L’actual afirmació de la subjectivitat de cada individu en l’alliberament del “gaudeix el teu símptoma”, suposa una domesticació de l’ombra de l’inconscient i un gir respecte de la visió del vampir, que no és ja un monstre a batre, sinó el subjecte a comprendre. En les dues darreres pel·lícules proposades en el cicle, s’observa com l’exaltació de la diferència foucaultiana fa de l’inadaptat un excèntric cuqui, un incomprès de costums extravagants i un tocaboires irredempt, que el seu just final en els nostres temps desballestats és la inclusió social abans que la seva pròpia adaptació repressiva.
Déjame entrar (2008), de Tomas Alfredson.
A Only Lovers Left Alive, de Jarmusch (2 de febrer), hi veiem uns adorables vampirs envoltats d’una atmosfera d’exquisida sensibilitat estètica i que viuen la pròpia existència des de l’angoixa i la melancolia al millor estil heideggerià, enfront d’uns humans inautèntics i irresponsables que no saben ni cuidar-se ni cuidar l’entorn. Per part seva, Tomas Alfredson a Déjame entrar (10 de febrer), mescla de manera delicadíssima l’experiència del descobriment de l’adolescència per part d’un nen víctima de bullying, amb la monstruositat de l’instint vampíric, encarnat en la innocència d’una nena a la qual cal convidar a entrar, segons el cànon, i per tant acceptar, en el qual la calor vermella de la sang es fon en la neu nòrdica.
I és que lluny de semblar una cosa morta, el mite del vampir no deixa de generar relectures i hores d’entreteniment i visionat. Valgui com a exemple el fals documental neozelandès, What We Do in the Shadows (2014) de Taika Waititi, una delirant proposta molt ben rebuda pel públic de culte i que va catapultar Waititi fins al Thor de Marvel, que reprèn el cànon del vampir en un pis compartit a la recerca de la normalització del frikisme i que està sent replicada com a sèrie americana en aquest moment. Jo crec que el vampir, com a constant personatge de cinema, va mereixent, com poc, una flamant estrella en el Passeig de la Fama.
El cicle de projeccions Por i plaer. Cinema de vampirs, coordinat pel crític cinematogràfic Toni Vall, tindrà lloc al Caixaforum Barcelona, entre el 12 de gener i el 10 de febrer.
Comienza el martes 12 de enero el ciclo Miedo y placer. Cine de vampiros en Caixaforum Barcelona, con una programación semanal de cinco películas que dan cuenta de cómo la sombra atávica y crepuscular de uno de los personajes más persistentes de la historia del cine, ha dejado de ser alargada hasta desembocar en la domesticación del monstruo.
El personaje gótico y aristocrático que conquistó nuestras pantallas y se hizo estrella de cine vocacional, se gestó en el ambiente literario y romántico europeo del siglo XIX en el que los cementerios y las ruinas se habían convertido en tortuosos espacios para el paseante, el nocturno sonaba como un modo de libertad, y se llevaba el look enfermizo.
Bram Stocker’s Dracula (1992), de F. F. Coppola.
Esputar sangre se había vuelto cool: “La tuberculosis disolvía el cuerpo grosero, volvía etérea la personalidad, ensanchaba la conciencia”, explica Susan Sontag en su ensayo La enfermedad y sus metáforas, hablando de la melancolía de los románticos como debilidad de lo humano. Decía la novelista George Sand, en su extremismo camaleónico, sobre su compañero: “Chopin tose con una gracia infinita”.
Todo empezó el llamado “año sin verano” de 1816 en Suiza, con el ambiente cargado de ceniza y melancolía, cuando la literatura fantástica despegaba en una reunión de amigos en Villa Diodati con Lord Byron, Mary Shelley y John Polidori, en la que se comprometieron a escribir un relato de terror. Mary Shelley cumplió en poco más de un año con su Frankenstein y Polidori con El vampiro, descubriendo un trasunto de Lord Byron al que no hubo que atribuir ni una excentricidad que no fuera plausible.
Pero fue el Drácula de Bram Stoker el que, en 1897, vendría a constituir el canon normativo, la “biblia” de la upirología, que daría al vampiro, personificado en el conde Drácula, su poder telepático y su atractivo personal a pesar de su sociopatía, sus gustos bestiálicos de macho alfa, su fondo de armario en negro y naftalina y la enfermiza delgadez, así como su repelús mortal a las cruces, al agua bendita o las ristras de ajos, que más parecen convertir al vampiro en un grupo de riesgo que en un poderoso villano. Stoker tardó siete años en documentarse sobre relatos populares, pateando los Cárpatos y la Biblioteca de Londres en donde se conserva el registro de los libros consultados en los que se dejó alguna puntita de página doblada. A pesar de los esfuerzos, la novela no tuvo demasiado tirón en su momento y no fue hasta el morbo que generó la disputa legal sobre los derechos de autor entre la viuda de Stoker y Murnau al intentar llevarla al cine, finalmente bajo el nombre de Nosferatu, que el libro fue éxito de ventas.
Nosferatu (1922), de F. W. Murnau.
Nosferatu (12 de enero) muestra sin trazas de romanticismo al repulsivo conde al que nadie se acercaría más que a la distancia de un palo. Es un ser casi impersonal, apenas sintiente más allá del arrebato sicalíptico, identificado magistralmente por Murnau como una sombra. Curiosamente, Nosferatu dará pie a otra película, además de la versión de Werner Herzog, en la que se especulaba que Max Schreck, el actor que desencarna a Nosferatu, era un auténtico vampiro en la vida real, con el título de La sombra del vampiro, dirigida por E. Elias Merhige, que da fe de que el mito arcaico estaba todavía vivo. No hay que olvidar en este punto, que el primer rodaje Making Of que funda el género del “así se hizo” y explora a la vez su propio límite, viene de este entorno y no es otro que Cuadecuc, Vampir (1970), de Pere Portabella, con música y sonido de Carles Santos, en una suerte de voyerismo a Christopher Lee en la versión de Jess Franco.
El personaje cinematográfico del vampiro tiene una tendencia irrefrenable hacia la parodia, que han aprovechado desde los Muppets hasta Chiquito de la Calzada.
Y es que, si alguien se encasilló en el cuerpo del conde Drácula, ya mucho más carnal, prepotente y maldito, en un contexto heteropatriarcal que sería el sueño húmedo de todo machirulo que se precie, ese fue Lee que heredaba la elegancia del Drácula de Tod Browning, interpretado por Lugosi y su chulazo cuello levantado. Pero hay que reconocer que el personaje cinematográfico del vampiro tiene una tendencia irrefrenable hacia la parodia y no solo carnavalesca, que han aprovechado desde los Muppets hasta Chiquito de la Calzada. Solo hay que pensar en la tremenda versión hispana que George Melford dirigía en paralelo a la de Browning, cuando acababa el horario de rodaje de la primera, usando el mismo atrezzo y decorados que la original, con Carlos Villarías y Lupita Tovar como protagonistas, antes de que se inventara el doblaje.
Christopher Lee en Dracula (1958), de Terence Fischer.
Pero fue precisamente Lee quien, con la inestimable ayuda del Technicolor y unos colmillos retráctiles de lo más fálico, consiguió con todas sus versiones y sagas una estética terriblemente kitsch que con los años ha ganado para el culto, a pesar de que la primera de todas ellas, dirigida por Terence Fisher (19 de enero), con guión de Jimmy Sangster, era notable. Christopher Lee terminó colaborando en películas como Kung Fu contra los 7 vampiros de oro a los que les daba dentera las estatuillas de Buda, en un delirio de coherencia al canon de Stoker. Ese halo rancio y decadente fue el que le pesó al Drácula de Coppola (26 de enero) a pesar de sus intentos por un preciosismo erótico en las formas, el color y las sombras que, no obstante sus carencias narrativas, produce un subidón de endorfinas considerable. Esa deriva de un vampiro metrosexual y lechuguino encontraría vía libre en Entrevista con el vampiro hasta terminar siendo un insípido ídolo de adolescentes en la saga Crepúsculo.
Only Lovers Left Alive (2013), de Jim Jarmush.
Pero si, como ha quedado apuntado, el vampiro es un mito universal, lo que interesa en nuestro momento incrédulo en el que “si ya nada es verdad, todo está permitido”, no es ya su génesis, sino de qué modo nos interpela hoy en día el personaje. La actual afirmación de la subjetividad de cada individuo en la liberación del “goza tu síntoma”, supone una domesticación de la sombra del inconsciente y un giro respecto de la visión del vampiro, que no es ya un monstruo a batir, sino el sujeto a comprender. En las dos últimas películas propuestas en el ciclo, se observa cómo la exaltación de la diferencia foucaultiana hace del inadaptado un excéntrico cuqui, un incomprendido de costumbres extravagantes y un mamarracho irredento, cuyo justo final en nuestros tiempos desquiciados es la inclusión social antes que su propia adaptación represiva.
Déjame entrar (2008), de Tomas Alfredson.
En Solo los amantes sobreviven, de Jarmusch (2 de febrero), vemos a unos adorables vampiros rodeados de una atmósfera de exquisita sensibilidad estética y que viven la propia existencia desde la angustia y la melancolía al mejor estilo heideggeriano, frente a unos humanos inauténticos e irresponsables que no saben ni cuidarse ni cuidar el entorno. Por su parte, Tomas Alfredson en Déjame entrar (10 de febrero), mezcla de manera delicadísima la experiencia del descubrimiento de la adolescencia por parte de un niño víctima de bullying, con la monstruosidad del instinto vampírico, encarnado en la inocencia de una niña a la que hay que invitar a entrar, según el canon, y por tanto aceptar, en el que el calor rojo de la sangre se funde en la nieve nórdica.
Y es que lejos de parecer algo muerto, el mito del vampiro no deja de generar relecturas y horas de entretenimiento y visionado. Valga como ejemplo el falso documental neozelandés, Lo que hacemos en la sombra (2014) de Taika Waititi, una delirante propuesta muy bien recibida por el público de culto y que catapultó a Waititi hasta el Thor de Marvel, que retoma el canon del vampiro en un piso compartido en pos de la normalización del frikismo y que está siendo replicada como serie americana en este momento. Yo creo que el vampiro, como constante personaje de cine, va mereciendo, como poco, una flamante estrella en el Paseo de la Fama.
El ciclo de proyecciones Miedo y placer. Cine de vampiros, coordinado por el crítico cinematográfico Toni Vall, tendrá lugar en CaixaForum Barcelona, entre el 12 de enero y el 10 de febrero.
Unos acordes vigorosos y enérgicos que invitan a sesguir adelante y dejar de lado el desánimo son parte del secreto del éxito inmenso de todo un himno, Viva la Vida, de la banda británica Coldplay.
Una canción, perteneciente al cuarto disco del grupo, Viva la Vida or Death and All His Friends, que fue número 1 en muchos países. A su éxito contribuyó el hecho de que fuera utilizada en los estadios de varios clubes deportivos.
Frida Kahlo, Viva la vida, 1954. Museo Frida Kahlo, Coyoacán, México.
Aquí es especialmente recordada porque el entrenador Pep Guardiola, fan de Coldplay, comenzó a utilizarla para motivar a los jugadores del Barça durante la temporada 2008-2009 –la del primer triplete– y de ahí pasó al Camp Nou. Es curioso que la letra de la canción, que ha dado pie a diversas interpretaciones, habla más de una sensación de derrota que de victoria y esperanza, de alguien que tenía el mundo en sus manos, pero la ha perdido.
Seguramente se trata del rey Luis XVI, a la espera de ser guillotinado por los revolucionarios franceses. «Los revolucionarios esperan mi cabeza en una bandeja de plata. Sólo un títere en una cuerda solitaria. ¡Oh! ¿Quién querría ser rey?»
El título de la canción está inspirado en el cuadro homónimo de Frida Kahlo.
Pero lo que sí es seguro y es un dato bastante desconocido, es que el título de la canción, que en ningún momento aparece en el texto de la letra, está inspirado en el cuadro homónimo, de Frida Kahlo, una particular naturaleza muerta con sandías, fechada en 1954. Está considerada la última obra de la pintora mexicana.
En todo caso, la inscripción con el título y la fecha de la obra fue añadida por la autora ocho días antes de su muerte. Chris Martin, vocalista de Coldplay, visitó el museo del artista en México en 2007 y quedó tan impresionado por la obra de Kahlo y a que inscribiera esta vitalista frase al final de su vida, a pesar de su dolor y sufrimiento, que decidió que el título del próximo disco del grupo y de uno de sus temas sería Viva la Vida. Hay otra referencia artística, vinculada al vídeo oficial de la canción: aparece el cuadro La Libertad guiando al pueblo, de Eugène Delacroix, lo que confirmaría la relación de la letra con la Revolución Francesa.
Viva la Vida
I used to rule the world
Seas would rise when I gave the word
Now in the morning I sleep alone
Sweep the streets I used to own
I used to roll the dice
Feel the fear in my enemy’s eyes
Listen as the crowd would sing
«Now the old king is dead! Long live the king!»
One minute I held the key
Next the walls were closed on me
And I discovered that my castles stand
Upon pillars of salt and pillars of sand
I hear Jerusalem bells a ringing
Roman Cavalry choirs are singing
Be my mirror, my sword and shield
My missionaries in a foreign field
For some reason I can’t explain
Once you go there was never
Never an honest word
And that was when I ruled the world
It was the wicked and wild wind
Blew down the doors to let me in
Shattered windows and the sound of drums
People couldn’t believe what I’d become
Revolutionaries wait
For my head on a silver plate
Just a puppet on a lonely string
Oh who would ever want to be king?
Uns acords vigorosos i enèrgics que conviden a marxar endavant i a deixar de banda el desànim són part del secret de l’èxit immens de tot un himne, Viva la Vida, de la banda britànica Coldplay.
Una cançó, pertanyent al quart disc del grup, Viva la Vida or Death and All His Friends, que va ser número 1 a molts països. Al seu èxit va contribuir el fet que fos utilitzada en els estadis de diversos clubs esportius.
Aquí és especialment recordada perquè l’entrenador Pep Guardiola, fan de Coldplay, va començar a utilitzar-la per motivar els jugadors del Barça durant la temporada 2008-2009 –la del primer triplet– i d’aquí va passar al Camp Nou. És curiós perquè la lletra de la cançó, que ha donat peu a diverses interpretacions, parla més d’una sensació de derrota que de victòria i esperança, d’algú que tenia el món a les seves mans però l’ha perdut.
Segurament es tracta del rei Lluís XVI, a l’espera de ser guillotinat pels revolucionaris francesos. “Els revolucionaris esperen pel meu cap en una safata de plata. Només un titella en una corda solitària. Oh! Qui voldria ser rei?”
El títol de la cançó està inspirat en el quadre homònim de Frida Kahlo.
Però el que sí és segur i és una dada força desconeguda, és que el títol de la cançó, que en cap moment apareix en el text de la lletra, està inspirat en el quadre homònim, de Frida Kahlo, una particular natura morta amb síndries, datada el 1954. Està considerada la darrera obra de la pintora mexicana.
En tot cas, la inscripció amb el títol i la data de l’obra va ser afegida per l’autora vuit dies abans de la seva mort. Chris Martin, vocalista de Coldplay, va visitar el museu de l’artista a Mèxic el 2007 i va quedar tan impressionat per l’obra de Kahlo i pel fet que inscrivís aquesta vitalista frase al final de la seva vida, malgrat el seu dolor i patiment, que va decidir que el títol del pròxim disc del grup i d’un del seus temes seria Viva la Vida. Hi ha una altra referència artística, vinculada al vídeo oficial de la cançó: hi apareix el quadre La Llibertat guiant el poble, d’Eugène Delacroix, la qual cosa confirmaria la relació de la lletra amb la Revolució Francesa.
Viva la Vida
I used to rule the world
Seas would rise when I gave the word
Now in the morning I sleep alone
Sweep the streets I used to own
I used to roll the dice
Feel the fear in my enemy’s eyes
Listen as the crowd would sing
«Now the old king is dead! Long live the king!»
One minute I held the key
Next the walls were closed on me
And I discovered that my castles stand
Upon pillars of salt and pillars of sand
I hear Jerusalem bells a ringing
Roman Cavalry choirs are singing
Be my mirror, my sword and shield
My missionaries in a foreign field
For some reason I can’t explain
Once you go there was never
Never an honest word
And that was when I ruled the world
It was the wicked and wild wind
Blew down the doors to let me in
Shattered windows and the sound of drums
People couldn’t believe what I’d become
Revolutionaries wait
For my head on a silver plate
Just a puppet on a lonely string
Oh who would ever want to be king?
¿Sabéis que la causa de que la duración máxima de un CD sea de 74 minutos y 33 minutos es porque es justo lo que dura la 9ª Sinfonía de Beethoven? ¿O que el Cuarteto de cuerda núm. 13 del compositor viaja por el espacio exterior en la sonda Voyager?
Beethoven marcó la historia de la música y su influjo, 250 años después de su nacimiento, es inmenso. Él mismo era consciente de ello: “Esto no es para usted, es para el futuro», le dijo a un oyente respecto a una de sus piezas. Beethoven sabía que trascendería su tiempo.
Hugo Hagen, Busto de Ludwig Van Beethoven. Beethoven-Hauss Museum, Bonn.
La revolución musical de Beethoven, su genio, su carácter atormentado y su biografía marcada por el paso de la Ilustración al Romanticismo, y los cambios políticos en la Europa de finales del siglo XVIII y principios del XIX son los temas que transitan por el conjunto de 9 miniconferencias de 15 a 20 minutos cada una que la Fundación ”la Caixa” ha producido sobre el compositor bajo el nombre Beethoven 9×9, y que se pueden encontrar en el Ágora digital de la web de CaixaForum. Los videos están a cargo de la musicóloga, informadora de Radio Clásica y divulgadora musical Eva Sandoval. En estos momentos están disponibles siete de los vídeos y los dos restantes se publicarán a mediados de enero y principios de febrero.
En cada uno de los capítulos, con un tono divulgativo tan válido para el neófito como para el ya conocedor de la obra de Beethoven, se repasan puntos claves de la trayectoria vital y profesional del músico que se relacionan con géneros concretos como la sinfonía, la sonata, el cuarteto o el concierto y con una pieza que hace de hilo conductor del discurso. Además de la música en sí misma, los contenidos de los vídeos están ilustrados con obras de arte, partituras y referencias culturales de todo tipo. Al final de cada capítulo, se hacen sugerencias de escucha de las mejores versiones de cada obra mencionada.
El tema que abre la serie es Beethoven y el destino, que se relaciona con la archifamosa Quinta sinfonía, las cuatro primeras notas de la cual se identifican con el destino que llama a la puerta. Otro de los capítulos, Beethoven al piano, se centra en las obras para piano que compuso Beethoven, también intérprete virtuoso, y que constituyeron para él como una especie de “laboratorio”.
La serie remarca la vertiente más innovadora de Beethoven tanto como revolucionario del lenguaje musical como en la forma en que vivió su oficio de músico, aspectos que se analizan en el vídeo Beethoven: un hombre adelantado a su tiempo.
El genio de Bonn fue el primer compositor freelance que tuvo éxito.
El genio de Bonn, el primer compositor freelance que tuvo éxito, se convirtió en un mito en vida y personifica en cierto modo el prototipo del artista romántico, que aún está vigente hoy en día, tocado por los dioses, con una tragedia que lo marca –la sordera–, con desencuentros familiares, de carácter arrogante y solitario e incomprendido en su época.
Precisamente la sordera, que afectó a Beethoven a lo largo de tres décadas, se analiza en el vídeo El gran secreto de Beethoven, porque se trata precisamente de uno de los aspectos de la vida personal que marcaron más su carácter. Sólo su amor por el arte y la música le ayudaron a superar esa desgracia que casi lo llevó al suicidio.
Tres temas que implícitamente están en toda la prolífica de la obra de Beethoven son la naturaleza, el amor y política. El compositor afirmaba que prefería un árbol que a una persona ya que a menudo encontraba inspiración para sus obras paseando por los bosques. En el vídeo Beethoven y la naturaleza, se explora la fuerte relación de la música de Beethoven con los elementos de la naturaleza, sobre todo a través de la Sinfonía nº 6 “Pastoral”.
En referencia a su vida sentimental, parece ser que Beethoven vivía en un estado de enamoramiento permanente y tuvo muchos amores, sobre todo entre sus alumnas de piano, como se explica en el vídeo Beethoven enamorado. La mayoría de estos amores eran imposibles o difíciles y nunca tuvo una pareja estable pero la pasión y entrega con las que vivía el amor se manifiesta en la maravillosa carta que escribió a la desconocida “Amada inmortal” y en piezas musicales como el Claro de Luna, dedicada a su alumna Giulietta Guicciardi, o Para Elisa, que no estaba dedicada a una Elisa sino a una Thérese.
Comprometido con los ideales de la Revolución Francesa, Beethoven dedicó muchas de sus obras a su compromiso político como se refleja en Fidelio, su única ópera, el Concierto nº 5 para piano“Emperador” o la Sinfonía núm. 3 “Heroica”. Pero también se desencantó por la forma en que se aplicaron sus ideales, según se explica en el vídeo Beethoven en la política de su época. Un ejemplo es el hecho de que cuando escribió la Sinfonía nº 3, la dedicó a Napoleón; pero cuando éste se autoproclamó emperador, Beethoven arrancó la hoja donde le dedicaba la obra. El músico, sin embargo, tenía claro que “sólo el arte y la ciencia pueden elevar al hombre a la altura de los dioses”.
Did you know that the reason the maximum duration of a CD is 74 minutes and 33 seconds is because that is precisely the length of Beethoven’s Ninth Symphony? Or that the composer’s String Quartet No. 13 is travelling through space on the Voyager space probe?
Beethoven marked the history of music and his influence, 250 after his birth, is still huge. And he knew it: “This is not for you, it is for the future”, he told a listener of one of his pieces. Beethoven knew that his music would outlive him.
Hugo Hagen, Bust of Ludwig Van Beethoven. Beethoven-Hauss Museum, Bonn.
The musical revolution of Beethoven, his genius, his troubled character and a biography marked by the Enlightenment and Romanticism, along with the political changes in Europe at the end of the eighteenth and beginning of the nineteenth centuries, are the main topics dealt with by the 9 mini-lectures, each lasting from 15 to 20 minutes, that the ”La Caixa” Foundation has produced under the title Beethoven 9×9. They can be found at the online Àgora of the CaixaForum website. The videos have been produced under Eva Sandoval, musicologist and reporter for Radio Clásica. Currently the first seven videos are available the remaining two are planned for mid-January or early February.
Each of the videos is delivered in a way that will be as accessible to the new listener as to those who are already familiar with Beethoven’s works, and they take us through the main points in his personal and professional life, relating to specific genres such as the symphony, sonata, quartet and concerto with a piece to accompany each lecture. Apart from the music itself, the videos are also illustrated with artworks, scores and cultural references of all kinds. At the end of each video there are suggestions for listening to the best versions of each of the pieces included.
The first video opens with the topic Beethoven and his fate, talking about the famous Fifth Symphony, the first four notes of which are indicative of the knocks of death. Another of the videos, Beethoven at the piano, focuses on the works for piano which Beethoven not only composed but also performed and which for him constituted a kind of “laboratory”.
The series highlights the most innovative side of Beethoven both in is revolutionary use of musical language and in the way in which he lived his life as a musician – aspects that are analysed in the video Beethoven, a man before his time.
The musical genius from Bonn was the first freelance composer to enjoy success.
The musical genius from Bonn was the first freelance composer to enjoy success, becoming a myth in his own lifetime and, to a certain extent, personifying the prototype of the Romantic artist that still exists today – touched by the gods, with his own personal tragedy, deafness, family disputes, an arrogant, solitary nature, and misunderstood for his time.
It was the deafness that affected Beethoven for three decades that is analysed in the videoBeethoven’s great secret, because this is one of the aspects of his personal life that most marked his personality. it was only his love for his art and music that helped him to overcome this tragedy that almost drove him to suicide.
Three of the themes that are implicit in the entire prolific work of Beethoven are nature, love and politics. He stated that he loved a tree more than a person and he often found inspiration for his works while walking through the woods. The video Beethoven and nature explores the strong relationship between Beethoven’s music and elements of nature, especially in the Symphony no. 6 ‘Pastorale’.
As far as his love life is concerned, it would see that Beethoven lived in a state of permanent enamourment and had several lovers, especially among his piano students, as we find out in the video Beethoven in love. Most of these loves were impossible and he never had a stable partner, but his passion and dedication is seen in the marvellous letter that he wrote to his unidentified “Immortal Beloved” and in pieces like Moonlight Sonata, dedicated to his student Giulietta Guicciardi, or Für Elise, which may not actually have been for an Elise but a Therese.
Committed to the ideals of the French Revolution, Beethoven dedicated many of his works to his political ideas such as Fidelio, his only opera, his 5th Piano Concerto ‘Emperor’ and his Symphony no. 3 ‘The Heroic’. But he also became disillusioned with the way in which his ideals were applied as is described in the video Beethoven in the politics of his time . One example is the fact that when he wrote the Symphony no. 3 he dedicated it to Napoleon: but when Napoleon proclaimed himself Emperor, Beethoven tore out the sheet with the dedication. However, he was always clear that “only art and science can raise man to the level of the gods”.
Sabeu que la causa de que la durada màxima d’un CD sigui de 74 minuts i 33 minuts és perquè és just el que dura la 9ena Simfonia de Beethoven? O que el Quartet de corda núm. 13 del compositor viatja per l’espai exterior a la sonda Voyager?
Beethoven va marcar la història de la música i el seu influx, 250 anys després del seu naixement, és immens. Ell mateix n’era conscient: “Això no és per a vostè, és per al futur”, li va dir a un oient respecte a una de les seves peces. Beethoven sabia que transcendiria el seu temps.
Hugo Hagen, Bust de Ludwig Van Beethoven. Beethoven-Hauss Museum, Bonn.
La revolució musical de Beethoven, el seu geni, el seu caràcter turmentat i la seva biografia marcada pel pas de la Il·lustració al Romanticisme, i els canvis polítics a l’Europa de finals del segle XVIII i principis del XIX, són els temes que transiten pel conjunt de 9 miniconferències de 15 a 20 minuts cadascuna que la Fundació ”La Caixa” ha produït sobre el compositor sota el nom Beethoven 9×9, i que es poden trobar a l’Àgora digital de la web de CaixaForum. Els vídeos van a càrrec de la musicòloga, informadora de Radio Clásica i divulgadora musical Eva Sandoval. En aquests moments estan disponibles set d’aquests vídeos i els dos restants es publicaran a mitjans de gener i principis de febrer.
En cadascun dels capítols, amb un to divulgatiu tan vàlid per al neòfit com pel ja coneixedor de l’obra de Beethoven, es repassen punts claus de la trajectòria vital i professional del músic que es relacionen amb gèneres concrets com ara la simfonia, la sonata, el quartet o el concert i amb una peça que fa de fil conductor del discurs. A més de la música en sí mateixa, els continguts dels vídeos estan il·lustrats amb obres d’art, partitures i referències culturals de tot tipus. Al final de cada capítol, es fan suggerències d’audicions de les millors versions de cada obra esmentada.
El tema que obre la sèrie és Beethoven i el destí, que es relaciona amb l’arxifamosa Cinquena simfonia, les quatre primeres notes de la qual s’identifiquen amb el destí que truca a la porta. Un altre dels capítols, Beethoven al piano, se centra en les obres per a piano que va compondre Beethoven, també intèrpret virtuós, i que van constituir per a ell com una mena de “laboratori”.
La sèrie remarca la vessant més innovadora de Beethoven tant com a revolucionari del llenguatge musical com en la manera com va viure el seu ofici de músic, aspectes que s’analitzen en el vídeo Beethoven, un home avançat al seu temps.
El geni de Bonn va ser el primer compositor freelance que va tenir èxit.
El geni de Bonn, el primer compositor freelance que va tenir èxit, va esdevenir un mite en vida i personifica en certa manera el prototip de l’artista romàntic, que encara està vigent avui en dia, tocat pels deus, amb una tragèdia que el marca –la sordesa–, amb desacords familiars, amb un caràcter arrogant, solitari i incomprès a la seva època.
Precisament la sordesa, que va afectar Beethoven al llarg de tres dècades, s’analitza en el vídeo El gran secret de Beethoven, perquè es tracta precisament d’un dels aspectes de la vida personal que van marcar més el seu caràcter. Només el seu amor per l’art i la música el van ajudar a superar aquesta desgràcia que gairebé el va portar al suïcidi.
Tres temes que implícitament estan en tota la prolífica obra de Beethoven són la natura, l’amor i política. El compositor afirmava que s’estimava més un arbre que a una persona i sovint trobava inspiració per a les seves obres passejant pels boscos. Al vídeo Beethoven i la natura, s’explora la forta relació de la música de Beethoven amb els elements de la naturalesa, sobretot a través de la Simfonia núm 6 “Pastoral”.
Pel que fa a la vida sentimental, sembla ser que Beethoven vivia en un estat d’enamorament permanent i va tenir molts amors, sobretot entre les seves alumnes de piano, com s’explica al vídeo Beethoven enamorat. La majoria d’aquests amors eren impossibles o difícils i mai va tenir una parella estable, però l’apassionament i entrega amb què vivia l’amor es manifesta en la meravellosa carta que va escriure a la desconeguda “Estimada immortal” i en peces musicals com Clar de Lluna, dedicada a la seva alumna Giulietta Guicciardi, o Per a Elisa, que no estava dedicada a una Elisa sinó a una Thérese.
Compromès amb els ideals de la Revolució Francesa, Beethoven va dedicar moltes de les seves obres al seu compromís polític com es reflecteix a Fidelio, la seva única òpera, el Concert núm 5 per a piano “Emperador” o la Simfonia núm. 3 “Heroica”. Però també es va desencantar per la manera com es van aplicar els seus ideals, segons explica el vídeo Beethoven en la política de la seva època . Un exemple és el fet que quan va escriure la Simfonia núm 3, la va dedicar a Napoleó; però quan aquest es va autoproclamar emperador, Beethoven va arrencar el full on li dedicava l’obra. El músic, però, tenia clar que “només l’art i la ciència poden elevar l’home a l’alçada dels déus”.
Los años sesenta del siglo XX fueron muy importantes para la publicidad. Los estilos que habían caracterizado hasta entonces esta disciplina, que podía ser a la vez un arte, daban paso rápidamente a unos nuevos, entrevistos ya a finales de los cincuenta, mucho más influidos por las vanguardias.
Se vivía una etapa económicamente más próspera, y aunque nuestro país estaba en pleno franquismo, había una cierta voluntad del Régimen de acercarse formalmente a los estándares del mundo occidental para no acabar de dar al exterior la imagen de país atrasado y polvoriento –aparte de autocrático y injusto–, que ya apuntaba.
Pla-Narbona, Incomunicación, 1980.
Esta brecha la aprovecharon muchos artistas para salir de caminos rutinarios, y anunciar productos con una creatividad impensable antes. Pero el hecho es que entonces no sólo la publicidad comercial pasaba por un gran momento, sino también la publicidad cultural.
Uno de los protagonistas de este cambio aquí fue Josep Pla-Narbona, dibujante de un trazo purísimo y seguro, que había bebido en las fuentes de la tradición consolidada –Hieronymus Bosch, la Italia del Quattrocento, los manieristas, Goya, Picasso, el Surrealismo del que confesaba haber vivido los últimos restos en París–, pero también en otros que encontró por su cuenta en viajes formativos, como el suizo Hans Erni.
Hijo del Clot, huérfano desde muy niño, formado con Lluís Muntané en la sucursal de Lonja de la calle Sardenya de Barcelona, y cerca de grandes nombres del cartelismo publicitario de entonces, como Amand Domènech, Josep Artigas o Ricard Fàbregas, de todos los que fue ayudante en su juventud, Pla-Narbona adquirió un dominio del dibujo enorme, constantemente ejercitado, a conciencia, y pronto lo aplicó al diseño publicitario.
Pla-Narbona, cartel Cosmo, 1973.
Aunque nunca quiso abandonar el cultivo del arte puro, las circunstancias llevaron a Pla-Narbona al arte aplicado, y muy especialmente, pues, al grafismo. Era un compromiso alcanzado sin amargura: el grafismo le daba la posibilidad de expresar su personalidad y al mismo tiempo no desatender su subsistencia. Su voluntad era la de ser artista, pintor, dibujante, grabador, pero se encontró inmerso en el mundo del grafismo en una época en la que costaba mucho separarse de él, porque había mucha demanda, y en consecuencia se podía vivir muy bien, si había talento, de este tipo de encargos.
Pla-Narbona, Retrato de Francesc Fontbona, 1974.
Vivió en París (1956-58), donde trabajó en una buena agencia, publicite R. L. Dupuy, y se aireó convenientemente. De nuevo en casa, continuó practicando el dibujo del natural, en el Cercle de Sant Lluc de Barcelona. Trabajó ya para empresas importantes –Uriach desde mucho antes, Carlo Erba, Comercial Ebro, Burés, Nestlé, Jorigu, Cosmo, Sandoz, Hogarotel–, hizo carteles institucionales –España, 1958; Zoo de Barcelona, 1959–, y también tomó contacto en Suiza (1962) con el grafismo mundial más nuevo. Al volver se relacionó con Cela, Espriu y Rof Carballo, y quizás estos contactos despertaron en él las ganas de hacer una buena galería de retratos dibujados de contemporáneos que puede hacer pensar, conceptualmente, con las que Casas, Callicó, Santsalvador o Santos Torroella habían hecho previamente. Como artista plástico no se apuntó a ninguna tendencia de moda, sino que construyó una de «fabricación» propia, en la que intervenían aparte del dibujo, el modelado, la fotografía y sobre todo la conceptualidad.
Pla-Narbona, cartel Semana Santa Sevilla (1965), inèdit. 1r Premio Internacional de Carteles, 1965.
Fue el primer presidente de Grafistas Agrupación FAD (1961), y lo volvería a ser. El logotipo famoso del diario Tele/eXpres (1963), carteles como los de Sonimag (1964), Ronda de mort a Sinera –drama de Espriu-Salvat–, y Semana Santa Sevilla (1966) –cartel premiado internacionalmente y muy celebrado, que el Ministerio de Cultura que lo había convocado, en cambio no editó nunca–, o Las moscas de Sartre (1968) –obra teatral de la que hizo también la escenografía– hacen época, con su intensidad plástica conseguida a menudo sólo con formas negras sobre blanco: la mayoría con papel negro recortado y desgarrado. Trabajó para varias editoriales, especialmente Llibres de Sinera, empresa de la que formó parte y que económicamente no tuvo éxito, a pesar de obtener una notable presencia social.
Fue además uno de los grandes aguafuertistas del país, y no por ello dejó, sin embargo, de exponer como artista tout-court en todas partes: aparte de en Barcelona o Manresa, lo hizo en Varsovia, Nueva York, Frankfurt, Los Ángeles, La Haya, Chicago, y en muchos otros lugares del mundo, al tiempo que obra su ingresaba en el MoMA de Nueva York en 1973.
Sometimos sus realizaciones al análisis de un psiquiatra especializado.
La presencia pública de sus anuncios, carteles y diseños tan personales era arrolladora. Pero aquel Pla-Narbona era un hombre mentalmente muy complejo, y cuando con Francesc Miralles hicimos un libro sobre él –Crònica i treballs del dibuixant, gravador i escultor Pla-Narbona…, Curial, Barcelona 1974–, sometimos sus realizaciones al análisis de un psiquiatra especializado, y éste detectó el reflejo de un mundo pre-psicótico. Y en este caldo de cultivo se desarrolló un gran descalabro vital, en el que intervinieron factores personales, profesionales y sociales. La época de las vacas gordas se estaba desvaneciendo, y el boom de la publicidad fulgurante se redimensionaba a la baja.
Pla-Narbona, cartel de Les mosques, 1968.
Desde entonces, el Pla-Narbona grafista estelar se acabó, pero cuando se repuso anímicamente del estruendo inició una nueva vida, centrada en la creación artística pura. No dejó el grafismo aplicado, pero su práctica disminuyó mucho. Todo aquel mundo que había aflorado en sus anuncios, ahora se desarrollaba en pinturas al óleo y dibujos sin dimensión utilitaria, basados en su trasfondo surrealista y a menudo de un lirismo personal, pero más a menudo todavía muy críticos con la condición humana (hipocresía, incomunicación, represión de la catalanidad), en plasmaciones donde sin embargo un humorismo sutil suele estar presente, como son referencias frecuentes al erotismo, el circo y un perfume de Commedia dell’Arte que atraviesa su obra a lo largo de todas sus épocas. Fue premio de dibujo Ynglada-Guillot, en 1976. Véase http://www.pla-narbona.com/.
Los reconocimientos llegaron en aquella segunda época de su carrera: el Laus de Honor de la ADG-FAD (2000), el Premio de Diseño de la Asociación Española de Profesionales del Diseño (2001), el Premio Nacional de Diseño de España (2004), el premio Ilustrad’Or de la Asociación Profesional de Ilustradores de Cataluña (2011), la Medalla de Oro del Cercle Artístic de Sant Lluc de Barcelona (2012), y la Creu de Sant Jordi de la Generalidad de Cataluña (2019). El mejor de los premios, sin embargo, fue seguramente haber podido pasar la segunda mitad de su vida, hasta rebasar los noventa años, en paz y armonía con su entorno más inmediato.
Els anys seixantes del segle XX varen ser molt importants per a la publicitat. Els estils que havien caracteritzat fins aleshores aquesta tasca, que podia ser alhora un art, donaven pas ràpidament a uns de nous, entrevistos ja a les acaballes dels cinquantes, molt més influïts per les avantguardes.
Es vivia una etapa econòmicament més pròspera, i tot i que el nostre país estava encara en ple franquisme, hi havia una certa voluntat del Règim per acostar-se formalment als estàndards del món occidental per no acabar de donar a l’exterior la imatge de país endarrerit i polsós –a part d’autocràtic i injust-, que ja prou que tenia.
Pla-Narbona, Incomunicació, 1980.
Aquesta escletxa l’aprofitaren molts artistes per sortir de camins rutinaris, i anunciar productes amb una creativitat impensable abans. Però el fet és que aleshores no sols la publicitat comercial passava per un gran moment, sinó també la publicitat cultural.
Un dels protagonistes d’aquest canvi aquí va ser Josep Pla-Narbona, dibuixant d’un traç puríssim i segur, que havia begut en les fonts de la tradició consolidada –Hieronymus Bosch, la Itàlia del Quattrocento, els manieristes, Goya, Picasso, el Surrealisme del que ell confessava haver-ne viscut les escorrialles a París–, però també en d’altres que trobà pel seu compte en viatges formatius, com ara el suís Hans Erni.
Fill del Clot, orfe des de molt nen, format amb Lluís Muntané a la sucursal de Llotja del carrer Sardenya de Barcelona, i prop de grans noms del cartellisme publicitari d’aleshores, com Amand Domènech, Josep Artigas o Ricard Fàbregas, de tots els quals va ser ajudant en la seva joventut, Pla-Narbona adquirí un domini del dibuix enorme, constantment exercitat, a consciència, i aviat l’aplicà al disseny publicitari.
Pla-Narbona, cartell Cosmo, 1973.
Bé que mai volgué abandonar el cultiu de l’art pur, les circumstàncies portaren Pla-Narbona a l’art aplicat, i molt especialment, doncs, al grafisme. Era un compromís assolit sense amargor: el grafisme li donava la possibilitat d’expressar la seva personalitat i alhora no desatendre la seva subsistència. La seva voluntat era la de ser artista, pintor, dibuixant, gravador, però es trobà immers en el mon del grafisme en una època en la que costava molt separar-se’n, perquè n’hi havia molta demanda, i en conseqüència se’n podia viure molt bé, si hi havia talent, d’aquesta mena d’encàrrecs.
Pla-Narbona, Retrat de Francesc Fontbona, 1974.
Visqué a París (1956-58), on treballà en una bona agència, Publicité R. L. Dupuy, i s’hi airejà convenientment. De nou a casa, continuà practicant el dibuix del natural, al Cercle de Sant Lluc de Barcelona. Treballà ja per a empreses importants –Uriach des de molt abans, Carlo Erba, Comercial Ebro, Burés, Nestlé, Jorigu, Cosmo, Sandoz, Hogarotel–, féu cartells institucionals –España, 1958; Zoo de Barcelona, 1959–, i també prengué contacte a Suïssa (1962) amb el grafisme mundial més nou. En tornar es va fer amb Cela, Espriu i Rof Carballo, i potser aquests contactes desvetllaren en ell les ganes de fer una bona galeria de retrats dibuixats de contemporanis que pot fer pensar, conceptualment, amb les que Casas, Callicó, Santsalvador o Santos Torroella havien fet prèviament. Com a artista plàstic no s’apuntà a cap tendència de moda sino que en bastí una de “fabricació” pròpia, en la que intervenien a part del dibuix, el modelat, la fotografia i sobretot la conceptualitat.
Pla-Narbona, cartell Semana Santa Sevilla (1965), inèdit. 1r Premio Internacional de Carteles, 1965.
Fou el primer president de Grafistas Agrupación FAD (1961), i ho tornaria a ser. El logotip famós del diari Tele/eXpres (1963), cartells com els de Sonimag (1964), Ronda de mort a Sinera –drama d’Espriu-Salvat–, i Semana Santa Sevilla (1966) –cartell premiat internacionalment i molt celebrat, que el Ministeri de Cultura que l’havia convocat, en canvi no edità mai-, o Les mosques de Sartre (1968) –obra teatral de la qual va fer també l’escenografia– fan època, amb la seva intensitat plàstica aconseguida sovint només amb formes negres sobre blanc: la majoria amb paper negre retallat i estripat. Treballà per diverses editorials, especialment Llibres de Sinera, empresa de la qual formà part i que econòmicament no reeixí, malgrat obtenir una notable presència social.
Va ser a més un dels grans aiguafortistes del país, i no deixà, però, d’exposar com artista tout-court arreu: a part de a Barcelona o a Manresa, ho va fer a Varsòvia, Nova York, Frankfurt, Los Angeles, l’Haia, Chicago, i a molts altres indrets del món, alhora que obra seva ingressava al MoMA de Nova York el 1973.
Vàrem sotmetre les seves realitzacions a l’anàlisi d’un psiquiatra especialitzat.
La presència pública dels seus anuncis, cartells i dissenys tan personals era abassegadora. Però aquell Pla-Narbona era un home mentalment molt complex, i quan amb Francesc Miralles vàrem fer un llibre sobre ell –Crònica i treballs del dibuixant, gravador i escultor Pla-Narbona…, Curial, Barcelona 1974–, vàrem sotmetre les seves realitzacions a l’anàlisi d’un psiquiatra especialitzat, i hi detectà el reflex d’un món pre-psicòtic. I en aquest brou de cultiu es desenvolupà un gran daltabaix vital, en el que hi intervingueren factors personals, professionals i socials. L’època de les vaques grasses s’estava esvaint, i el boom de la publicitat fulgurant es redimensionava a la baixa.
Pla-Narbona, cartell de Les mosques, 1968.
Des d’aleshores, el Pla-Narbona grafista estel·lar s’acabà, però quan es va refer anímicament del terrabastall inicià una nova vida, centrada en la creació artística pura. No deixà el grafisme aplicat, però la seva pràctica disminuí molt. Tot aquell món que havia aflorat en els seus anuncis, ara es desenvolupava en pintures a l’oli i dibuixos sense dimensió utilitària, basats en el seu rerefons surrealista i sovint d’un lirisme personal, però més sovint encara molt crítics amb la condició humana (hipocresia, incomunicació, repressió de la catalanitat), en plasmacions on tanmateix un humorisme subtil hi sol ser present, com hi són referències freqüents a l’erotisme, el circ i un perfum de Commedia dell’Arte que travessa la seva obra al llarg de totes les seves èpoques. Va ser premi de dibuix Ynglada-Guillot, el 1976. Vegeu http://www.pla-narbona.com/.
Els reconeixements varen arribar en aquella segona època de la seva carrera: el Laus d’Honor de l’ADG-FAD (2000), el Premi de Disseny de la Asociación Española de Profesionales del Diseño (2001), el Premio Nacional de Diseño d’Espanya (2004), el premi Ilustrad’Or de l’Associació Professional d’Il·lustradors de Catalunya (2011), la Medalla d’Or del Cercle Artístic de Sant Lluc de Barcelona (2012), i la Creu de Sant Jordi de la Generalitat de Catalunya (2019). El millor dels premis, però, va ser segurament l’haver pogut passar la segona meitat de la seva vida, fins depassar els noranta anys, en pau i harmonia amb el seu entorn més immediat.
We use cookies to ensure that we give you the best experience on our website. If you continue to use this site we will assume that you are happy with it. Accept
Privacy & Cookies Policy
Privacy Overview
This website uses cookies to improve your experience while you navigate through the website. Out of these, the cookies that are categorized as necessary are stored on your browser as they are essential for the working of basic functionalities of the website. We also use third-party cookies that help us analyze and understand how you use this website. These cookies will be stored in your browser only with your consent. You also have the option to opt-out of these cookies. But opting out of some of these cookies may affect your browsing experience.
Necessary cookies are absolutely essential for the website to function properly. This category only includes cookies that ensures basic functionalities and security features of the website. These cookies do not store any personal information.
Any cookies that may not be particularly necessary for the website to function and is used specifically to collect user personal data via analytics, ads, other embedded contents are termed as non-necessary cookies. It is mandatory to procure user consent prior to running these cookies on your website.
Recent Comments